lundi 17 décembre 2012

Battements de coeur


La poésie féminine se fait plus rare que jamais. Peu de recueils édités, encore moins dans les rayons de librairies. Des libraires d'ailleurs parfois juste capables de bredouiller un ou deux noms. Beaucoup de poétesses de premier plan ont ainsi été oubliées, comme effacées. Les anthologies ont consacré des valeurs "sûres", forcément masculines.

Il y a bien sûr des exceptions: Anna de Noailles, Louise Labé, Marceline Desbordes-Valmore. Mais qui a entendu parler de Béatrice de Die (1160-1212), Marie de Brabant (1540-1610), Cécile Sauvage (1883-1027) ou de Christine de Pisan (1364-1430) ?

Ségolène Point, comédienne, a eu la bonne idée de nous faire découvrir tout un arc-en-ciel de morceaux choisis parmi les fleurons de la poésie féminine française qu’elle mettra elle-même en scène, et qui seront interprétés par Morgane Noubel et Marie-Christine Point.

Vous pourrez découvrir ce spectacle original à partir du 11 janvier 2013, à la Résidence André de Gouveia (Maison du Portugal) de la Cité Universitaire de Paris.
Pour le plaisir des yeux et du texte, cette initiative mérite le détour.

N’hésitez pas à venir nombreux et à en parler autour de vous.



Battements de coeur
Spectacle de poésie féminine du Moyen-Age à nos jours
Mise en scène : Ségolène Point
Interprétation : Morgane Noubel, Marie-Christine Point

Marie-Christine Point

Morgane Noubel


Résidence André de Gouveia de la Cité Universitaire de Paris
45, bd Jourdan, 75014 Paris
Les vendredis 11, 12, 18, 19, 25 et 26 janvier 2013 à 20h
Les dimanches 13, 20 et 27 janvier 2013 à 15 h
Tarif : 7 € - Etudiants, enfants : 5 €

vendredi 7 décembre 2012

Trouver la lumière


De la douceur, de la patience, de la compréhension et de l'empathie pour pouvoir apaiser les tensions, l'animosité et les querelles du moment. Je ne cesse de le redire, le film Les lettres portugaises verra le jour. J'y passerai le temps qu'il faudra, toujours dans l'écoute, le partage et la bonne humeur, quelle que soit la virulence des propos rencontrés parfois à mon égard en ce qui concerne l'attente d'autrui, et pour que le film trouve paisiblement son achèvement. Je suis à l'écoute des propositions, des points de vues, même s'ils divergent parfois avec les miens, et je n'essaie que de servir et de protéger le film. Merci à tous ceux qui me soutiennent dans cette aventure difficile, épuisante et faite de contraintes, je ne tiens pas une seconde à ce que le travail soit entaché par mon impatience, ma volonté de réussir dans les plus brefs délais ou mon entêtement à voir les choses de manière unilatérale. Seul le sommeil réparateur, la constance et la diplomatie me permettront de gagner cette bataille terrible que j'ai entreprise il y a exactement un an. Je pense à ma mère, à tous ceux qui m'accompagnent, à ma famille, à mes amis. Ce sont eux qui me donnent le courage nécessaire dont j'ai grandement besoin pour parvenir à bon port. Je remercie du fond du coeur tous ceux qui me font confiance, et espère être pouvoir bientôt prêt à affronter le public devant le grand écran. Je ne sais encore combien de temps durera cette situation inconfortable d'interrogations, d'attente et de difficultés à entreprendre la fin des opérations, mais je garde la confiance et la foi au milieu d'un chaos indescriptible au travers duquel je m'avance jour après jour pour trouver la lumière.


jeudi 6 décembre 2012

Filmer les camps


Hier soir projection au Mémorial de la Shoah de  De Hollywood à Nuremberg,  réalisé et présenté par Christian Delage. Dans cet excellent documentaire, minutieusement élaboré, et qui est une vraie réflexion à la fois philosophique et historique sur les premières images des camps que le monde a découvert après 1945, Christian Delage nous montre comment des cinéastes tels que John Ford, George Stevens et Samuel Fuller, ont été amenés par le gouvernement américain à filmer les premières preuves du génocide. De par leur engagement, ces hommes courageux, et décorés pour faits de guerre et actes d'héroïsme, ont eu la première réflexion sur le "comment filmer" ce qui bouleversera à jamais l'histoire du monde.
De Hollywood à Nuremberg

 De par son approche sensible et profondément responsable, Delage, à tour de documents sonores et visuels, complétés par un très beau commentaire explicatif, nous montre le cheminement de ces images, de leur conception à leur présentation pour la première fois au tribunal de Nuremberg. Une oeuvre essentielle, profondément bouleversante, et qui possède une véritable valeur historique et pédagogique à l'attention des générations actuelles et futures. Le Musée et l'équipe du Mémorial de la Shoah méritent toute notre attention et surtout notre profond respect pour son gigantesque travail accompli jour après jour afin de relater, montrer, diffuser, faire connaître, et surtout conserver dans nos mémoires, ce qui fut la tragédie la plus impensable de tous les temps. Dans ce lieu de prière et de réflexion, j'ai probablement vécu hier soir l'un des moments les plus importants de ma vie. Partager et m'engager à mon tour en tant que cinéaste sur ce sujet est pour moi absolument essentiel, je n'imagine pas continuer de vivre sans participer à mon tour dans l'avenir à cette connaissance de l'Histoire.
Christian Delage

De Hollywood à Nuremberg, film documentaire français de Christian Delage (2011) – Durée : 55 minutes

http://culturevisuelle.org/figuration/2012/04/26/de-hollywood-a-nuremberg/

lundi 24 septembre 2012

La Cité du Cinéma


La Cité du Cinéma créée par Luc Besson est un lieu unique et imaginatif qui renoue avec la période des grands studios en France. L'un des cinémas les plus dynamiques du monde, le nôtre, souffrait depuis bon nombre d'années de la disparition de ses studios (Boulogne, Epinay s/Seine, Nice...) qui virent naître la plupart des films mythiques du cinéma français, de Marcel Carné à Luc Besson lui-même. Ces studios abritèrent également jadis des productions américaines tournées en Europe, dont certains James Bond. Il faut louer le gigantesque travail accompli par le fondateur de la Cité du Cinéma, qui a ce projet en tête depuis plus de 15 ans. 


En outre la volonté du cinéaste, qui ne se voue pas seulement à ses propres films mais aussi à ceux des autres, montre sa sensibilité aux délocalisations nombreuses opérées par les producteurs - c'est vrai, il est moins onéreux de tourner à l'étranger - et souhaite re-dynamiser l'emploi des techniciens de l'industrie cinématographique dans notre pays, tout en offrant une possibilité aux grands studios américains de venir à nouveau tourner en France après la disparition progressive des grands plateaux au cours de ces dernières décennies. 


Reconnaître la valeur du travail de Luc Besson et de son entreprise, c'est aller dans le sens que tout le monde souhaite  en ce moment. C'est à dire redonner à la France ses lettres de noblesse en matière de cinéma, favoriser l'éducation audio-visuelle à travers la création d'une école ouverte à tous (pas de diplôme exigé pour y entrer, gratuité des cours pendant les deux premières années), ainsi qu'amener des devises étrangères nécessaires ici à l'activité et à la production du septième art. Il s'agit ici d'une véritable première de la part d'un entrepreneur courageux dont il faudrait reconnaître une fois pour toutes le mérite. Si nous avions un mot à dire, nous, cinéastes et public, ce serait tout simplement merci.


mardi 18 septembre 2012

Premier teaser des Lettres portugaises

À ce stade du film, rien n’est encore joué. Il reste encore de petites scènes à tourner (l’ouverture et la séquence finale) et toute la bande son est en cours d’élaboration.

Les lettres portugaises (2013)

mercredi 20 juin 2012

Les lettres portugaises (en post-production)

     Une aventure incroyable que celle du tournage des Lettres portugaises. Commencée en octobre 2011, après avoir songé en faire d’abord une pièce de théâtre, je n'aurais jamais pensé cet exploit possible de tourner un long-métrage, dont toute une partie d'époque, en 10 jours exactement. Tout est allé extrêmement vite. Les gens se sont très vite intéressés au projet et j’ai écrit le scénario en 15 jours pendant les vacances de Noël. Dès le mois de janvier je commençais les repérages, et deux mois plus tard on avait le financement et le film se tournait.

Ségolène Point dans 
Les lettres portugaises (2013)

       Un challenge insensé, terriblement difficile et éprouvant, mais riche d'enseignement. Jamais en une vie de cinéma je n'avais vécu pareille aventure : intense, hors normes et à contre-courant de tout ce qui se fait actuellement. Tourné dans la langue française du XVIIème siècle, avec quasiment un seul personnage à l’écran, le pari tenait du miracle. Et le miracle a eu lieu.

Les lettres portugaises (2013)
de Bruno François-Boucher et Jean-Paul Seaulieu

     L'actrice Ségolène Point porte le film sur ses épaules et l'équipe a accompli des prouesses. J'en ressors lessivé, comme passé au lavomatic. Stanley Kubrick avait bien raison de dire que faire un film équivaut à écrire Guerre et paix dans une auto tamponneuse. Certes mon Guerre et Paix est moins dense et moins long, mais la concentration de toutes les forces sur 10 jours valent bien un ou deux chapîtres de Léon Tolstoï. De la Touraine au bord de l'océan à Carvalhal, au Portugal, en passant par la plaine de l'Alentejo jusqu'à Beja où vécut l'héroïne du film Mariana Alcoforado, mon périple a ressemblé à un road movie fou, mené tambour battant pour en venir à bout, le mot « atypique » semblant faible pour définir ce long-métrage.

Nicolas Herman dans
Les lettres portugaises (2013)

Il me semble être revenu d'une sorte de cratère en feu, étourdi après tant de lutte pour assurer l'impossible avec une équipe de seulement 10 personnes. Courir fut ma devise, partout et en tout moment. Nous ne nous sommes pratiquement servis que de la lumière du jour, pas les moyens de faire autrement, et ce fut une autre course contre la montre pour suivre la courbe du soleil jusqu'au crépuscule, chaque plan étant tributaire de lui, surtout pour les intérieurs du couvent. Grâce à la définition extraordinaire du Canon 7D et surtout de la caméra Red One Epic tout fut possible, ce qui était encore impensable il y a quelques années avec de la pellicule. Chaque plan, bercé de magie, est né d'un gouffre sans fin dans lequel nous nous sommes plongés à chaque instant pour la faire apparaître.

Ségolène Point dans 
Les lettres portugaises (2013)

Quel est donc cet O.V.N.I que Les lettres portugaises, seuls les spectateurs pourront y répondre dans quelques temps. Je suis vivant, envers et contre tout un système qui m'aurait empêché de faire ce film, si avec une poignée d'amis nous n'avions décidés de le faire.


Ségolène Point dans
dans Les lettres portugaises (2013)


    Film © 2013 KapFilms
Photos © 2013 Marion Fortini, Sandy Mourguet, Jonathan Gredler.

lundi 4 juin 2012

Retour sur « Duel »

Revu hier avec des enfants Duel, l'un des premiers films de Steven Spielberg. Au début ils ont quelque peine à entrer dans le film (l'automobiliste qui sort de chez lui, les paysages qui défilent avant que l'on ne découvre le camion...) mais très vite, dès que celui-ci apparaît, ils commencent à s'intéresser. La seule question qu'ils posent durant la projection est : "Est-ce qu'on va voir le chauffeur du camion ?". Quand ils comprennent qu'ils ne le verront jamais, ils trouvent le film un peu bizarre, mais le suspense marche toujours jusqu'à la fin.

Duel (1971) de Steven Spielberg

Je trouve le film toujours parfaitement maîtrisé, truffé d'idées inventives, surtout la scène du bar où tout devient suspicieux, la présence de l'ennemi étant omniprésente. Finalement c'est l'histoire d'un homme ordinaire, confronté au dépassement de lui-même pour sauver sa peau. Adapté au départ d'une nouvelle du grand Richard Matheson, Duel séduit toujours par son sujet, et me rend surtout très admiratif de par son économie de moyens. Très complexe à tourner (la multiplicité des angles de prises de vues et des raccords) l'oeuvre reste un grand classique, un must aux allures hitchcockiennes que tous les étudiants de cinéma du monde entier peuvent à loisirs disséquer pour en saisir le moindre rouage. La musique aux accents de Psychose renforce encore l'atmosphère tendue, et chaque élément s'imbrique parfaitement l’un dans l’autre.

Duel (1971) de Steven Spielberg

Les enfants comprennent rapidement qu'ils ont affaire à un fou dangereux, ce qui les effraie toujours autant. Le seul témoin de l'agression est la femme qui élève des serpents dans le désert, sinon tous les autres personnages pensent que c'est le chauffeur de la voiture qui est fou. Dans la version longue il y a cette très belle séquence où les enfants du car en panne, grimaçants derrière la vitre, semblent eux aussi se jouer du héros malmené. Lorsque c'est le camion qui vient finalement à leur rescousse, jouant pour un instant le rôle du héros positif, tout se renverse, et le chauffeur de la voiture sait à présent qu'il devra combattre tout seul contre son ennemi. Quand il verrouille sa ceinture de sécurité et qu'il s'adresse au chauffeur du camion en disant "Tu veux vraiment jouer ? Alors d'accord, maintenant on va jouer pour de bon..", le héros victime se transforme en un survivant du coûte que coûte, et la violence de l'autre à son égard décuple ses capacités. 


Duel (1971) de Steven Spielberg

La fin, très belle elle aussi, nous le montre seul sur la colline au coucher du soleil devant la carcasse du camion, encore en état de choc longtemps encore après que le duel se soit achevé. Pas d'autre bruit que le vent du désert qui vient tout balayer. Les enfants regrettent un peu l'absence de musique à ce moment-là, mais le film leur laisse un goût étrange, celui d'un film pas comme les autres.

À une heure où au cinéma tout se comprend dès la première minute, voire dès la bande annonce, Duel, qui est au départ un téléfilm, illustre parfaitement cette réflexion de son réalisateur lui-même, disant récemment lors d'une de ses interventions à U.C.L.A, l'école de cinéma de Los Angeles : "La meilleure façon de se rendre compte si l'histoire d'un film est claire, c'est de pouvoir l'imaginer sans les dialogues".

Duel (1971) de Steven Spielberg

Duel (DVD Edition Collector)
Durée : 90 min
Distributeur : Universal Studios
Sortie :  2004-08-17
Avec : Dennis Weaver, Jacqueline Scott, Eddie Firestone, Lou Frizzell, Lucille Benson
Réalisé par Steven Spielberg
Produit par George Eckstein
Écrit par Richard Matheson 

samedi 26 mai 2012

Rêve d'enfant dans une salle obscure - Épisode 9


Avec Christian Merret-Palmair, nous avions fini d’écrire le scénario de mon premier vrai court-métrage qui s’intitulait Coup de pompes. Le film se déroulait dans les années cinquante, et, prévu pour être tourné en noir et blanc, il était conçu sans dialogues, utilisant simplement les bruits caractéristiques des chaussures de chacun des personnages. L’action se passait dans une gare où un homme accompagnait une femme à son train. Une fois abandonnée sur le quai, elle était suivie par un individu claudiquant et se réfugiait sur une passerelle. Le type actionnait alors un couteau à cran d’arrêt depuis sa chaussure et tuait la femme. Du crime à l’arrestation de l’assassin par la police, on suivait toute l’action sans jamais voir un seul visage.

Coup de pompes (1986)

À ce moment-là, peu de gens dans la profession s’intéressaient encore aux courts-métrages. De rares festivals leur rendaient hommage, les exploitants de salles n’en programmaient déjà plus, et les chaînes de télévision les diffusaient à de très rares occasions. C’était juste avant l’arrivée de Canal Plus.

Après avoir minutieusement étudié le projet afin qu’il coûte le moins cher possible, je me suis mis en quête d’un producteur. Personne n’y croyait. Tout le monde me disait que faire un film entièrement avec des pieds était impossible, et nous avons dû concevoir une plaquette avec des photos pour expliquer quasiment plan par plan le projet. Le document avait l’avantage de retenir l’attention, même si les professionnels demeuraient perplexes.

Le premier producteur intéressé m’a convoqué à son bureau, un jour qu’il faisait très chaud. Il tenait le scénario entre ses mains en guise d’éventail, et n’accepterait de produire le film que si je lui fournissais l’argent nécessaire… Je fus quelque peu sceptique, le précédent que j’avais rencontré ayant filé en douce avec la caisse d’un film après avoir obtenu une subvention du Centre du cinéma. En consultant la plaquette de Coup de pompes, un autre m’a affirmé que tourner un film et faire des photos, ce n’était pas du tout la même chose… Manque de bol pour lui, La jetée, le chef d’œuvre de Chris Marker avait été entièrement conçu de cette manière. Mais il n’en avait jamais entendu parler.

La jetée (1962) de Chris Marker
Un film entièrement conçu avec des photos

Le sujet du court-métrage se passant dans une gare, l’un des collaborateurs de France 3 m’a répondu qu’il s’intéresserait éventuellement au film… si la chaîne envisageait un jour de programmer une série d’émissions sur les trains. Autant attendre comme dans Il était une fois dans l’Ouest que les poseurs de rails passent par Flagstone avant d’embarquer pour la Californie.

Après avoir consulté la plaquette photos dans le cadre d’un concours de scénarios, le collaborateur d’une chaîne concurrente m’a fait savoir que les courts-métrages déjà réalisés n’étaient pas pris en compte. Quel compliment pour un film qui n’existait pas encore !
J’ai sollicité tout Paris sans résultat. Sans assez d’argent pour produire le film moi-même, le projet est resté en stand by pendant encore quelque temps.

Appelé en renfort sur le film Souvenirs, souvenirs d’Ariel Zeitoun, j’ai repris mon travail d’assistant. C’était l’occasion de retrouver Philippe Noiret et de participer à de délirantes séquences qui restituaient Paris au temps du twist. Nous avons tourné de nombreuses prises de vues, notamment au Casino de Paris, qui mettaient en scène toute une jeunesse des années 60 comme dans American Graffiti, voitures américaines de l’époque à l’appui.

Souvenirs, souvenirs (1984) 
de Ariel Zeitoun

Puis, Eliane André, une collaboratrice de Luc Besson, m’a engagé sur le clip Pull marine avec Isabelle Adjani. Nous avons travaillé pendant deux semaines en studio, où, dans un décor de salle de bains, le cinéaste rêvait déjà de bleu et d’hommes poissons. En prime, Warren Beatty venait sur le plateau rendre visite à la belle Isabelle.

Travail très agréable en compagnie de ce réalisateur nouvelle génération, friand d’acteurs, d’images sophistiquées et de musique rock. Avec Jean-Jacques Beineix et Leos Carax, ils étaient les pavés dans la mare du cinéma français de l’époque, ouvrant une voie nouvelle qui rompait avec un certain classicisme dans la narration des films. Ces cinéastes se servaient davantage de l’aspect visuel et musical que leurs prédécesseurs.

La lune dans le caniveau (1986)
de Jean-Jacques Beineix

Le cinéma français avait besoin de prendre de nouvelles orientations après la Nouvelle Vague. Les années 70 avaient déjà percé des brèches dans la manière de filmer avec Bertrand Tavernier, Alain Corneau et André Téchiné, pour ne citer qu’eux, qui avaient déjà modernisé le paysage en imposant une vision plus lucide et plus réaliste de la société contemporaine. Ces derniers, utilisant de nouveaux moyens techniques à travers des univers inspirés, avaient permis au cinéma de reprendre ses lettres de noblesses, après que les grandes salles aient disparu au profit d’écrans timbres poste, ce qui avait rendu les films quasiment télévisuels. Besson prolongeait à sa manière ce courant.

Ce que j’aime en France c’est le souci permanent d’innover, le rebond permanent face aux crises, et surtout l’avant-gardisme. C’est ce que n’ont jamais compris certains critiques restés nostalgiques du monde d’avant, et qui reprochent encore aux nouvelles générations, inspirées par Spielberg, Lucas et De Palma, de n’avoir fait naître que des ignorants. Que Dieu leur pardonne mais ces maîtres du spectacle ont surtout permis au cinéma de pouvoir continuer à faire exister dans les salles un large public. Ceux qui reprochent à Besson de n’être qu’un bol de pop-corn pour ados attardés, devraient revoir ses films et la maîtrise dont ils font preuve, Jeanne d’Arc en tête, l’un des très rares films historiques français sur deux décennies. Je ne suis pas toujours un fervent admirateur de son cinéma, mais il faut lui reconnaître son audace et son extraordinaire savoir-faire en matière de spectacle.

Le 5ème élément (1997) de Luc Besson

 Luc préparait son deuxième long-métrage, Subway. Eliane André s’occupait de la régie générale et j’ai enchaîné au poste de régisseur adjoint.
Tout a basculé pour moi à partir de ce film qui a déclenché mon passage à la réalisation.
Les méthodes de tournage n’avaient soudain plus rien à voir avec celles du cinéma traditionnel. La moyenne d’âge des membres l’équipe était d’environ vingt cinq ans, hors mis le décorateur Alexandre Trauner (celui d’Hôtel du Nord et des Enfants du paradis) qu’on avait surnommé « Papy fait de la résistance ».
Le jeune réalisateur avait une inventivité de tous les instants. Il créait des systèmes de machinerie pour permettre à la caméra de se déplacer sous des angles inédits, travaillait constamment en musique, et un vent de liberté soufflait sur le plateau, déracinant tous les codes en vigueur. Besson était chargé d’une énergie qui bousculait la manière de filmer chez nous. À une époque où les Gremlins arrivaient d’Outre Atlantique, son style résolument moderne s’adressait de la même manière à un public plus jeune.
J’avais la sensation d’avoir une caméra entre les mains et d’être entraîné par un flux ininterrompu d’images, du ras du bitume jusqu’au sommet de plates-formes vertigineuses, au cœur de travellings infernaux sur des escalators.

Après le désert mauritanien, le gouffre du métro comme un ventre qui grouille dans le buzz des néons, le bruit des souffleries et des ventilations. Imprégné de son odeur durant six mois, je déambulais dans cet antre de Vulcain où chaque apparition d’Isabelle Adjani ressemblait à un conte de fées.
Comment ne pas tomber sous le charme de l’actrice qui s’était prise d’affection pour l’équipe, d’autant plus que j’avais le privilège d’aller la chercher chez elle tous les matins. Elle m’y offrait le café pendant qu’elle se préparait (c’était pour moi le meilleur du monde), puis nous montions dans ma voiture pour aller sur le tournage. Combien de fois ai-je traversé les rues de la capitale à ses côtés, parfois aux heures les plus avancées de la nuit - nous ne pouvions tourner dans le métro que de minuit à 5 heures du matin - tandis que la star se concentrait sur son personnage en buvant des litres de jus de raisin.

Subway de Luc Besson (1985)

Isabelle a cette capacité de pouvoir tout jouer. Des drames psychologiques aux personnages écorchés (L’été meurtrier, Possession), en passant par le polar (elle interprète une brochette impressionnante de tueuses dans Mortelle randonnée), la comédie, (Tout feu, tout flamme), et sans parler des personnages historiques qui ont définitivement assis sa renommée : Adèle H, Emily Bronte, Camille Claudel, la reine Margot, Marie Stuart au théâtre… Elle est pour moi l’une des plus grandes actrices françaises, n’hésitant pas non plus à s’engager dans tout ce qu’elle fait avec une passion exacerbée. Il fallait la voir sur le plateau de Subway défendre la cause de chacun, n’hésitant jamais à s’impliquer personnellement auprès des techniciens afin que leur travail soit reconnu à leur juste mesure.

La fonction de régisseur m’a permis aussi de découvrir tous ceux qui travaillent dans l’ombre des films : loueurs de caméra, de matériel électrique, équipes des ateliers de costumes, dresseurs d’animaux, cascadeurs, armuriers, personnel des laboratoires. Par la suite je n’aurais jamais pu réaliser mes premiers courts-métrages sans la confiance des responsables de ces établissements qui n’ont pas hésité à me prêter leur matériel. Chaque lieu avait sa magie propre, son odeur. J’étais comme un gosse dans Cinecittà, repérant parfois les traces d’un film célèbre dans les anciens studios de Boulogne dont il restait encore quelques vestiges. Certains lieux abritaient la mémoire de toute une partie du cinéma français, leurs gardiens étant parfois les témoins émouvants d’époques révolues.


Après Subway, j’ai continué avec Eliane sur un film de Jacques Demy, Parking, avant de me lancer comme régisseur général. Dommage, ce n'était pas le meilleur film de Jacques, mais de travailler avec le réalisateur de Lola et surtout du Joueur de flûte et de Lady Oscar, deux films magnifiques et injustement méconnus, fut un plaisir immense. Ce qui m’avait frappé, c'était l’humanité du personnage, son amour profond et son respect des autres. Jacques Demy était une sorte de poète égaré qui chorégraphiait ses films comme des comédies musicales, des dessins animés empreints de nostalgie, s’évertuant coûte que coûte à les faire cadrer avec leur temps. Il y avait du Chaplin en lui, orientant la tête tantôt à gauche tantôt à droite tel un spectateur de tennis, tout en découvrant les acteurs d’aujourd’hui évoluer sur les écrans Cinémascope comme dans Un roi à New-York. Ce qu’on sait peu est que le cinéaste avait débuté étant enfant en tournant des films amateur, animant des marionnettes de papier. Agnès Varda a raconté son histoire dans Jacquot de Nantes, vibrant hommage dans lequel se sont retrouvés beaucoup de réalisateurs du monde entier.

Jacquot de Nantes (1990) de Agnès Varda

Rencontre aussi sur ce film avec un autre géant du cinéma français, Jean Marais. J’allais le chercher dans son atelier de sculpture à Montmartre et voyais défiler sous mes yeux à la fois Orphée de Cocteau et les films de cape et d’épée du comédien. L’homme semblait cependant atteint par la vieillesse, sans doute vivait-il encore au temps des studios de Boulogne, à la recherche d’une jeunesse disparue à tout jamais.

Je n’avais pas obtenu l’aide au court-métrage du Ministère de la Culture avec Coup de pompes et aucune société de production ne voulait se lancer dans l’aventure. Au cours d’un tournage, j’en ai parlé à des amis techniciens, qui, séduits par le scénario, ont étudié avec moi la possibilité de faire le film pour un minimum de moyens. Assurant nous-mêmes les frais de tournage, il ne resterait qu’à financer la pellicule et le laboratoire. Bienheureuse époque d’aujourd’hui où, grâce aux caméras numériques et aux ordinateurs, il est bien plus simple de réaliser un film.

Sur les conseils de mes amis, j’ai sollicité les producteurs de publicité. Moins frileux que les gens de cinéma, ils ont davantage été attirés par le concept, appréciant justement son côté visuel. J’aurais peut-être pu demander un coup de main à Luc Besson, mais il me semblait qu’il fallait d’abord que je fasse mes preuves.
Je sentais à présent le film se rapprocher de sa fabrication. Des producteurs étaient enfin intéressés, leur seule hésitation étant cependant que je n’avais pas encore réalisé de film professionnel.

Il m’a fallu dessiner un story-board et programmer malgré tout une date de tournage. Tout s’est préparé dans mon petit pied-à-terre de la rue Lambert : le casting, les repérages, les autorisations, la constitution d’une partie de l’équipe, la réservation du matériel caméra. Des essais en noir et blanc avaient même été tournés chez le loueur grâce à mon opérateur Vincent Jeannot. Nous n’avions pas d’autre choix que d’avancer coûte que coûte, et fournir un maximum d’éléments pour convaincre un producteur. Celui-ci devait recevoir le projet clés en main et être assuré de pouvoir rentrer dans ses frais.

Coup de pompes (1986)

La semaine précédant le tournage, l’un d’entre eux était prêt à faire film, mais il s’est désisté le mercredi soir. Il l’a regretté par la suite, m’offrant alors de réaliser ma première publicité.
Trois jours avant le premier tour de manivelle, j’ai rencontré par l’intermédiaire d’Eliane André un jeune directeur de production de publicités, Arnaud Kerneguez, qui voulait absolument faire du cinéma. Il a immédiatement cru en mon projet et m’a présenté à ses directeurs, Claude Delon et Thierry Dassault. Tout s’est décidé en un quart d’heure. Après avoir épluché le budget ils m’ont fait confiance, et j’ai pu tourner le premier plan de Coup de pompes le lundi suivant à huit heures, sous la responsabilité d’Arnaud. Ce fut notre première collaboration.
La nuit avant le tournage, l’angoisse ne m’a pas quitté. « Je suis fou, pensais-je. J’ai réuni une équipe de trente personnes pour filmer des pieds pendant une semaine… C’est impossible… On ne peut pas faire un film avec des pieds »

Coup de pompes (1986)

Au matin sur le plateau, le chef machiniste Rémy Mercy, quarante ans de métier, est descendu du haut de son camion avec sa casquette de vieux loup de mer. Il s’est approché de moi d’un pas ferme et m’a demandé : « Où est-ce qu’on met la caméra, monsieur ? … » J’ai tout de suite vu dans le fond de son œil qu’il ne plaisantait pas, et me suis jeté dans un bain à moins deux degrés, ce matin de février à la Gare du Nord.

Indications, mise en place, éclairages, répétitions, tournage…c’était parti. Ce court-métrage avait été tellement préparé que je me sentais en osmose avec lui. De plus, il régnait sur le plateau un état de grâce, et le rythme du film battait en moi à la seconde près.

Coup de pompes (1986)

Coup de pompes a été l’une des premières réalisations en son direct stéréo, et Alain Villeval, l’ingénieur du son, enregistrait uniquement dans l’axe de la caméra de façon à respecter la correspondance des champs visuels et sonores. Dominique Hennequin, qui a notamment collaboré avec Roman Polanski, a ensuite accepté de faire le mixage.
Les producteurs m’ont laissé une entière liberté et j’ai respecté le budget prévu.
Des gens m’ont souvent demandé par la suite comment j’avais dirigé des pieds ! … Et bien j’ai mis en scène des acteurs entiers et normaux qui ont traduit par les pieds les émotions de l’histoire.

Lorsque j’ai découvert la première image du film sur le grand écran d’une salle, j’ai eu du mal à croire que c’était le mien. Ce halo de lumière me semblait venir d’ailleurs, et j’avais la curieuse sensation d’être étranger au spectacle.
Et puis soudain, une peur immense m’a envahi : le public allait découvrir cet O.V.N.I…



La première a eu lieu au cinéma l’Escurial. Pendant la projection, j’attendais tout seul dans le hall comme un intrus, hermétique aux échos de la salle. J’avais vu entrer plus d’une centaine de personnes inconnues pour la plupart, invitées par la production. Tout était maintenant silence et l’attente devenait insupportable. Soudain un tonnerre d’applaudissements a retenti. C’était gagné.

Ce petit film venait de changer ma vie. Depuis les premiers home movies dont le public n’avait jamais dépassé la grille du jardin, en passant par la projection glacée de l’école de cinéma qui avait ressemblé à un cours sur la dissection de la grenouille, je pouvais enfin montrer un film à un public plus large, qui allait même dépasser les frontières de la France et de l’Europe.

dimanche 12 février 2012

Les lettres portugaises (en tournage)


La passion amoureuse et l’approche des sentiments à travers la féminité, sont des thèmes que je développe depuis plusieurs années, profondément marqué par le travail d’Ingmar Bergman sur le sujet. En lisant Les lettres portugaises de Mariana Alcoforado traduites en français par Guilleragues, cinq lettres d’amour passionnées et désespérées qu’écrit une jeune femme abandonnée par son amant, j’ai immédiatement été touché par le courage du personnage qui analyse avec une précision exemplaire les rouages de sa passion qui se perd parfois en déraison. Plus que jamais l’occasion m’était donnée avec Les lettres portugaises de pouvoir mettre en scène ces thématiques sur lesquelles je n’ai cessé de faire des recherches, m’appuyant, entre autres, sur l’étude menée par Roland Barthes dans ses Fragments d’un discours amoureux : l’amour fou, le cheminement douloureux et chaotique de la passion, l’abandon de soi, l’humilité, la quête de spiritualité, et surtout, la capacité à transcender ses propres sentiments en un amour universel.

La beauté des Lettres portugaises réside dans leur qualité littéraire, qui parvient admirablement à retranscrire les états psychologiques et émotionnels traversés par la jeune femme. Isolée entre quatre murs, son discours amoureux demeuré sans réponse, est à la fois l’expression d’un renoncement et aussi celui d’une femme à la personnalité peu commune, Mariana Alcoforado, qui lutte avec force et courage pour atteindre un sommet de dignité.

A travers une incursion dans le présent, où une jeune femme part à la recherche de Mariana, ma proposition de film se veut être le lien entre passé et présent, afin d’inviter le spectateur d’aujourd’hui à s’identifier, comprendre et s’émouvoir d’un personnage féminin tout en force et en sensibilité, et dont les échos, à travers un texte écrit en 1668, résonnent toujours autant en 2012.

L’actrice que j’ai choisie pour interpréter ce rôle, Ségolène Point, s’est principalement illustrée au théâtre, notamment pour représenter l’intimité de personnages emblématiques tels que Odette dans Le bel indifférent ou Célestine dans Le journal d’une femme de chambre. Dotée d’un fort potentiel dramatique tout en jouant de sensualité pour explorer les mécanismes complexes de la passion, elle est à même d’incarner Mariana, la jeune religieuse. Son jeu sensible et sa justesse ont été à diverses reprises reconnus par la presse et par le public. Son approche très cinématographique et son aptitude au romanesque, renforcent encore le personnage des Lettres portugaises.

Nicolas Herman, remarqué également au théâtre et à la télévison où il incarna le célèbre héros de Plus belle la vie, nous rejoindra dans cette aventure. Lui aussi possède ce goût pour le romanesque et ce talent d’acteur tout en finesse, qui le rapprocherait d’un Gérard Philippe contemporain.

Jean-Paul Seaulieu, directeur photo de grand talent et réalisateur de publicités primées dans plusieurs grands festivals internationaux, notamment pour leurs qualités de mise en valeur la beauté féminine, a tout de suite accepté de s’associer à ce projet. Prenant le parti de tourner le film en une semaine, il me semblait essentiel de m’entourer d’un opérateur de son envergure, afin d’apporter une dimension visuelle et chorégraphique à ce film qui se déroule principalement en huis clos.

Film atypique, Les lettres portugaises se veut moderne dans sa conception, tout en respectant la dramaturgie et le texte original de 1668. Je tenais à en faire découvrir la beauté aux spectateurs des salles obscures, persuadé que le cinéma reste toujours un merveilleux moyen d’expression qui n’a rien perdu de son lyrisme au travers du temps. À la fois outil pédagogique, Art à part entière, et divertissement dans le sens le plus noble du terme, il demeure une expérience unique pour s’aventurer dans des voyages émotionnels hors du temps, à travers les profondeurs de l’inconscient.



Les lettres portugaises
Production : KapFilms
Distributeur : Kanibal Films Distribution
Scénario, production et réalisation : Bruno François-Boucher
D'après Mariana Alcoforado
Directeur photo : Jean-Paul Seaulieu
Interprétation : Ségolène Point (Mariana Alcoforado), Nicolas Herman (Noël de Chamilly)
Montage : Olivier Mauffroy
Costumes : Marion Fortini
HD, Dolby, couleurs, 75 minutes
Sortie salles : 2014