Mauro Bolognini (1922-2001)

Ce mois-ci dans la revue Positif, conjointement avec l'hommage qui lui sera rendu en novembre à la Cinémathèque Française, on fait réapparaître le fantôme de Mauro Bolognini, cinéaste oublié dans les limbes du temps et que j'ai toujours cité comme l'un des grands maîtres italiens qui m'avaient inspiré. Mon adolescence fut parcourue de ses films (La viaccia, Les garçons, Le bel Antonio, La corruption) et plus tard, grâce à la vidéo, je découvris ces chefs-d'oeuvre que sont Libera, amore mio (l'un des meilleurs rôles de Claudia Cardinale) et surtout L'héritage, modèle de film romanesque à l'esthétique admirable. Cinéaste particulièrement sensible, exprimant des « douleurs si profondes qu'on peut en pleurer » (Wordsworth), parfois déroutant et dont la noirceur se mélange aux éclats de lumière, Bolognini n'eut jamais la reconnaissance d'un Visconti ou d'un Pasolini. Sa filmographie n'en est pas moins riche d'une cinquantaine de films pour le cinéma et la télévision. Pour la petite histoire, le hasard des rencontres a fait que j'ai eu l'occasion de travailler avec l'un de ses scénaristes, Roberto Leoni. Ce fut un apprentissage passionnant, nourri d'Histoire et de psychologie, qui solidifia mes travaux d'écriture.

Claudia Cardinale dans Libera, amore mio (1975)

Joker (2019) de Todd Phillips

Réservé sur Joker, certes impressionnant, porté par la belle composition de Joachim Phoenix. Sombre, dérangeant (on pense à Taxi driver et à American nightmare version Gotham city), les origines du Joker ont un accent de tragédie grecque. Et en hissant le personnage de héros négatif au premier plan, c'est aussi toute la désespérance du monde qui remonte à la surface. On aura aucun mal à y reconnaître les préoccupations qui nous traversent en ces temps de fragmentations sociales. Le jury de Venise y a certainement été sensible en décernant au film le prestigieux Lion d'Or.

Dommage cependant que certains effets trop appuyés (bande musicale qui compense parfois plus qu'elle ne suggère, moments de violence exacerbés à la limite du gore) ne viennent alourdir la réalisation dont les promesses ne sont pas toujours tenues. On est maintenu en haleine sans être non plus totalement surpris, le film manquant de rebondissements et de développements psychologiques qui auraient évité à certaines scènes de couper court. Chacun en jugera par lui-même. Âmes sensibles et enfants s'abstenir.

A rainy day in New-York (2019) de Woody Allen

Dans la lignée des films de Frank Capra et du Philadelphia Story de George Cukor, pour son 50e film Woody Allen, qui n'a rien perdu de sa verve, nous offre un brillant moment de cinéma. Fin observateur de la nature humaine, c'est en joyeux pourfendeur du journalisme people, des milieux artistiques et d'une certaine bourgeoisie new-yorkaise qu'il tisse la trame de ce dernier opus, l'un des meilleurs de son oeuvre. Elle Fanning est formidable de drôlerie en jeune apprentie journaliste naïve qui se brûle aux feux de la rampe. Plaisir d'un cinéma retrouvé teinté de glamour et d'une maîtrise confondante dans l'art du récit et de la mise en scène. Un jour de pluie à New-York  place son auteur à une hauteur vertigineuse dans le cinéma contemporain.

Elle Fanning dans Un jour de pluie à New-York  

Une histoire des réalisatrices

Numéro de juillet-aout 2019 des Cahiers du Cinéma consacré aux réalisatrices. Une histoire à la fois lumineuse et tragique du cinéma au féminin sur plus d'un siècle avec des découvertes et une riche documentation. Où l'on apprend notamment que :

- A Fool and his money (1912) de Alice Guy est le 1er film américain dont le casting ne comporte que des acteurs noirs.

- Mabel Normand a inventé le gag de la tarte à la crème.

- Jeunes filles en uniforme (1931) de Leontine Sagan est l'un des premiers films au casting entièrement féminin.

- Dorothy Arzner a inventé le micro perche en 1929.

- Park Nam-Ok, trop pauvre pour engager une baby-sitter, réalisa The widow en portant sa fille en bas âge sur le dos.

- Tazuko Sakane fut la première japonaise à réaliser un film en 1936.

- Récit des années de feu (1961) de Ioulia Solntseva fut le 1er film soviétique en 70 mm (première réalisatrice à être primée à Cannes).

- Ann Hui, spécialiste du film de sabre, est aussi connue que John Woo à Hong Kong et elle fut la première à faire tourner Andy Lau, Maggie Chung et Chow Yun-Fat.

- Trois  femmes ont réalisé un film en Iran avant la révolution islamique. 

- Les milices de Khomeiny ont détruit les films de Kobra Saidi sous ses yeux et elle vit aujourd'hui dans un bidonville de Téhéran.

De l'Islande à l'Afrique en passant par tous les pays du monde les femmes ont tourné, tournent et tourneront quoi qu'il arrive des films. Quelques regrets cependant, l'absence ou l'oubli dans ce numéro de Karyn Kusama, Claudia Llosa, Ana Diez, Iciar Bollain, Isabelle Coixet, Julia Leigh, Lexi Alexander, Frieda Ekotto, Alice Heit, Angelina Jolie, Hafsia Herzi…

Lors du tournage du long-métrage documentaire Correspondances, Jean-Pierre Mocky, que nous avions interrogé sur des sujets de société, avait consacré une partie de son entretien aux nouvelles technologies qui permettent aujourd’hui de réaliser plus facilement des films. De cette séquence trop spécialisée pour pouvoir entrer dans le cadre du projet, j’ai tout de suite pensé faire un court-métrage à part entière comme ce fut le cas pour Catherine Zay parlant de son père dans En souvenir de Jean Zay. CinéMocky, accompagné d’extraits de films du réalisateur, a la particularité d’établir une sorte de bilan sur les différences technologiques du cinéma au cours du temps. Le point de vue de ce cinéaste resté dynamique et à l’écoute du monde contemporain est à l’image d’un homme resté très proche de l’esprit « Nouvelle Vague » et qui n’a jamais cessé de tourner dans tous les formats. Ce complément figurera également sur les bonus du DVD du film Correspondances.

CinéMocky (2019)

Couleur, Noir & Blanc - 9 minutes
Avec la participation de Jean-Pierre Mocky

Sujet, production et réalisation : Bruno François-Boucher & Ségolène Point

Images : Etienne Baduel

Son : Matthis Goldfain

Montage : Francis Elbaz

Mixage et étalonnage : Tiburce

© 2019 Bon Voyage Films Productions

Intégrale Yannick Bellon

Si les années 70 mirent en lumière le travail de la cinéaste Yannick Bellon, force est de constater que ses films ont été quasiment oubliés pour ne pas dire invisibles pendant longtemps. En revisitant les 9 courts-métrages et 9 longs-métrages qu'elle tourna de 1946 à nos jours, restaurés à l'initiative de Doriane Films dans le coffret DVD L'integrale Yannick Bellon, on a du mal à comprendre pourquoi la réalisatrice, disparue en juin dernier, n'a pas été considérée à la place qu'elle mérite, d'égal à égal avec ses consoeurs et autres pionnières du cinéma français parlant: Agnès Varda, Jacqueline Audry, Nelly Kaplan, Marguerite Duras, Nadine Trintignant, Nina Companeez, Coline Serreau, Diane Kurys, pour ne citer qu'elles. Il suffit de revoir les admirables Quelque part, quelqu'un, La femme de Jean, L'amour violé et ce chef-d'oeuvre bouleversant qu'est Jamais plus toujours pour se rendre compte de son importance dans notre cinéma. Ce que Yannick Bellon révèle dans ses films sur la condition des femmes dans une époque qui voyait à peine éclore leurs droits, est un témoignage aussi courageux qu'indispensable sur leur conditionnement, leurs difficultés, leurs engagements et leurs souffrances très largement méconnues et mises longtemps sous silence. Nous devons remercier Yannick Bellon pour son audace, sa détermination et son grand talent, à l'opposé de tant de réalisateurs exagérément encensés et surestimés. Les films de Yannick Bellon sont à revoir absolument.

L'intégrale Yannick Bellon éditée par Doriane Films :

https://www.filmsdocumentaires.com/films/1784-l-integrale-yannick-bellon

Pierre Lhomme, l'un des plus importants directeurs de la photographie du cinéma, est décédé à l'âge de 89 ans. Son travail couvre plus de 50 ans d'Histoire avec des cinéastes aussi prestigieux que Philippe de Broca, Chris Marker, Jean-Pierre Melville, Marguerite Duras, Jean-Paul Rappeneau, Jean Eustache, Robert Bresson, Claude Miller, Bertrand Blier et James Ivory. Parmi ses films les plus beaux citons : L’armée des ombres (1969), Quatre nuits d’un rêveur (1971), La maman et la putain (1973), La chair de l’orchidée (1974), Retour à la bien-aimée (1979), Jefferson à Paris (1995), Camille Claudel (1988), Cyrano de Bergerac (1990) tous deux récompensés par un César de l'image. Il créa maints dispositifs associés au travail de la lumière (toiles suspendues en plein air au-dessus des acteurs, installation de cubes inventés pour diffuser la lumière, projecteurs, réflecteurs...) Son apport à la photographie dans les films est considérable et ses innovations au cours de l'évolution du cinéma argentique ont largement contribué à enrichir les techniques du cinéma d'aujourd'hui. Cet homme généreux et disponible m'avait donné de précieux conseils lorsque je préparais mon premier long-métrage.

La chair de l’orchidée (1974) de Patrice Chéreau

La chair de l’orchidée (1974) de Patrice Chéreau

L’armée des ombres (1969) de Jean-Pierre Melville

Une Palme d'Or grand public

Je n'avais pu voir Parasite lors de sa présentation à Cannes, ce fut un régal de le découvrir. D'une grande maîtrise, le film de Bong Joon-ho réussit l'exploit de réunir tous les genres en un seul: thriller, film social, comédie, tragédie et film d'horreur. La performance vaut à elle seule le détour. On se laisse littéralement happer de la première à la dernière image par l'histoire de la famille Ki-taek, issue des quartiers pauvres, qui avec un machiavélisme raffiné va peu à peu prendre possession des richissimes Park. L'oeuvre n'est pas avare de rebondissements inattendus et je dois dire qu'il était devenu assez rare ces dernières années qu'une Palme d'Or à Cannes rencontre le grand public. Voilà le lien renoué. Ne doutons pas que le film restera dans les mémoires pour son originalité, son sens du récit et son suspense hitchcockien ! Les acteurs sont formidables, en particulier Song Kang-ho qu'on ne présente plus depuis Memories of murder et Sympathy for M.Vengeance ainsi que le jeune Choi Woo-shik, découvert dans Dernier train pour Busan. Un plat savoureusement épicé à déguster en famille avec un final haut en couleurs, à éloigner tout de même des âmes trop sensibles et des enfants.

Parasite (2019) de Bong Joon-ho 

Il y a 52 ans, le 27 juin 1967, disparaissait tragiquement à l'âge de 25 ans l'une des actrices les plus emblématiques du cinéma français. Cette merveilleuse comédienne que François Truffaut aimait appeler « Framboise Dorléac » nous laisse ses films, bien sûr, mais davantage encore : le souvenir d'une femme moderne, intemporelle et inspirante pour les générations à venir.

Edith Scob (1937-2019) Un visage et une voix uniques sorties de la poésie, de l'imaginaire et du temps. Ibsen, Beckett, Shakespeare, Rilke, Edward Bond au théâtre et des films phares, ceux de Georges Franju : La tête contre les murs (1959), Les yeux sans visage (1959), Thérèse Desqueyroux( 1962), Thomas l'imposteur( 1965) et la Vierge Marie chez Bunuel (La voix lactée, 1969).

Violette Nozière (1978) de Claude Chabrol sur Arte. Il faut voir Violette faisant boire du poison à ses parents d'un air innocent avant de les regarder défaillir et de dévorer avidement un rôti devant leurs corps agonisants. Du pur Chabrol des grands jours! Inspiré du livre de Jean-Marie Fitère sur la célèbre affaire qui défraya la chronique dans les années 30, le film est particulièrement saisissant pour sa peinture aussi noire que cruelle de l'époque. Remarquable interprétation d'Isabelle Huppert, Jean Carmet et Stéphane Audran.

Bilan Festival de Cannes 2019

Fin d'un Festival extraordinaire: qualité des films, de l'organisation, des rencontres. Cannes est assurément le plus grand festival de films du monde. Où l'on y rencontre des Portugais, des Chinois, des Brésiliens, des Allemands, des Américains, des Égyptiens, des Russes, des Islandais pour ne pas dire tous les profils de la planète. Où l'on parle de cinéma jour et nuit et où chacun découvre le travail de l'autre, du film le plus inconnu de la Terre au plus célèbre. Le nombre de films vus et de personnes abordées en quinze jours est hallucinant, d'un grand patron de firme à un apprenti cinéaste. Cannes c'est aussi le rapprochement entre des professionnels qui ne trouvent jamais le temps de se rencontrer tout au long de l'année et c'est également un gigantesque stage de production où l'on apprend tout sur tout de la manière dont on monte un projet. Une expérience unique, inclassable et où le travail se joint à la détente. Ici c'est la passion pour les films qui règne. On repart inspiré et empli d'une énergie nouvelle pour se remettre à l'ouvrage.

Avec toute l'équipe du film Duke de Thiago Dadalt

Sélection Cannes Classics 2019 : "Les silences de Johnny" de Pierre-William Glenn

Une facette méconnue du chanteur sur son rapport au cinéma et une sorte de mise à nu de l'acteur. On n'est plus dans le faste du parc des Princes mais dans l'intimité de la caméra et du tournage. Dans ce documentaire Robert Hossein, Patrice Leconte, Laetitia Masson, Jean-Francois Stévenin, Claude Lelouch, Dominique Besnehard apportent un autre regard et témoignent de la présence du chanteur à l'écran. Autre visage, autre personnalité, d'une docilité incroyable sur un plateau et qui aimait profondément les films pour avoir passé sa vie à en regarder. Un document touchant par un réalisateur et chef opérateur ami qui a su montrer un Johnny entre ombre et lumière, ici plus bluesman que rocker, et qu'on pourrait dépeindre en deux mots: authenticité et sincérité.

Johnny Hallyday dans Détective (1985) de Jean-Luc Godard

Sélection Officielle Cannes 2019 : Il traditore (Le traître) de Marco Bellocchio

Un récit dense et passionnant de 2h20 qui nous plonge dans les guerres de clans entre familles siciliennes au coeur de Cosa Nostra. À travers le personnage emblématique de Tommaso Bruscetta qui permit l'arrestation de plus d'une centaine de membres de la mafia après ses révélations au juge Falcone dans les années 80, c'est tout un pan de l'Histoire italienne contemporaine qui est relatée ici dans la tradition des films de Francesco Rosi. Depuis la capture de Bruscetta au Brésil en 1963, Bellocchio s'est intéressé à la personnalité particulièrement complexe d'un repenti considéré comme l'un des premiers à avoir brisé l'omerta. L'acteur Pier Francesco Favino est extraordinaire. Doté d'une ressemblance étonnante avec le vrai Bruscetta, Favino porte le film sur ses épaules et réussit à retranscrire tout l'aspect énigmatique d'un personnage hors normes, faisant voler en éclats les archétypes de mafiosi représentés à l'écran. Doté de solides convictions dans ses valeurs, Bruscetta incarne la transition entre un monde ancien où les codes d'honneur étaient en vigueur et l'ère moderne où, débarrassée de ses traditions, les nouvelles générations de la mafia sont devenues encore plus violentes en multipliant les meurtres de femmes et d'enfants au sein des clans. En désaccord avec ces méthodes Bruscetta rompit brutalement le cercle. En toute conscience et au péril de sa vie il se rangea du côté de l'Etat et contribua à démanteler tout l'organigramme des chefs de la mafia devant les autorités lors d'un procès retentissant qui conduisit à l'emprisonnement à vie de Totò Riina. C'est la fin d'une ère que Bellocchio dépeint et qui aura pour conséquence l'assassinat en représailles du juge Falcone ainsi que le départ sous protection de Bruscetta vers les Etats-Unis jusqu'à la fin de sa vie en 2000. Le film met à jour une documentation sidérante sur le dispositif pyramidal de la mafia sicilienne, chacun de ses membres ayant une fonction digne d'une organisation gouvernementale. Il faut louer le travail de Bellocchio et de ses scénaristes qui entremêlent thriller et film historique dans la lignée des grands films italiens des années 70.

Pier Francesco Favino Le traître de Marco Bellocchio (2018)

Festival de Cannes 2019 - Short Film Corner : "Duke" de Thiago Dadalt

Très beau court-métrage sur le cas de Duke, adolescent autiste dont on sait que les origines de la maladie et ses traitements sont encore totalement inconnus. Ce trouble de la perception touche environ 75 millions de personnes dans le monde. On sait seulement que le fléau, d'origine neurologique, provoque un grave dérèglement de la communication avec autrui. 

Duke le film aborde un épisode de l'adolescence durant laquelle le jeune homme passe par une période d'éveil. Il ressent sans pouvoir l'exprimer l'envie d'un ailleurs et parvient à écrire un premier mot. On pense à l'histoire d'Helen Keller et à son cri déchirant « eau », un jour que la fillette boit à une fontaine. 

Ce court-métrage dont la célèbre citation de St Exupéry en ouverture est « L'essentiel est invisible pour les yeux' » nous touche car ses auteurs traduisent parfaitement en images et sons l'expression d'une altération psychique désarmante pour les parents et toujours sans suivi médical et éducatif adéquat. Le jeune Robert Solomon qui joue Duke a observé durant de longs mois des autistes et ce qu'il accomplit à l'écran est remarquable. Souhaitons que Duke devienne un long-métrage afin d'élargir ses espaces de diffusion car le cinéma a aussi vocation de lancer des cris d'alarme.

DUKE

U.S.A - 2018

Production : D. Ellen Miller Productions

Réalisateur : Thiago Dadalt

Scénario : Thiago Dadalt, Dru Miller

Avec : Robert Solomon, Piercey Dalton, Jeff Marcheletta, Rack Kozlow

Directeur photo : Andre Chesini

Couleurs - 16 minutes

© 2018 

https://www.dukeshortfilm.com/the-story

Séléction Officielle Cannes 2019 : "Once upon a time... in Hollywood" de Quentin Tarantino

Un film sur les acteurs, sorte de western barré, plus spaghetti que hamburger, durant la période la plus déjantée de la deuxième moitié du XXe siècle: les années 60. Forme d'hommage aussi à nombre de figures célèbres qu'on retrouvera dans le film, humour bien sûr omniprésent (la séquence avec Bruce Lee vaut son pesant d'or) et bande originale de choix dans ce cinémascope flamboyant en 35 mm. Pur plaisir de cinéma, flashback sur les jeunes années de cinéphile de Quentin Tarantino. Brad Pitt est génial et il faut bien dire que son réalisateur aime tellement le cinéma qu'il nous offre un feu d'artifice de sa passion intacte et sans limites pour le septième art. Je ne dévoilerai rien d'autre conformément à son voeu mais la surprise est de taille et accrédite plus que jamais la fameuse formule de François Truffaut: « Les films sont plus harmonieux que la vie ».

Sélection Officielle Cannes 2019 : "Douleur et gloire" de Pedro Almodovar

Voir un film d’Almodovar aujourd’hui équivaut à regarder un film de Losey, de Mankiewicz ou de Bergman. La marque d’une très grande maîtrise du cinéma apparaît dans chaque plan et chaque séquence, construite à partir d’un matériau dramaturgique dense et complexe. L’articulation du récit proposé ici, entre passé et présent, donne à reconstituer l’itinéraire d’un homme, Salvador Mallo qui est aussi un artiste, un auteur et un metteur en scène. Inutile de dire que Pedro Almodovar opère sa propre radiographie par le filtre de son acteur fétiche Antonio Banderas. Il n’est pas le premier à s’être livré à l’exercice si l’on pense à  8 ½ de Fellini ou à Stardust memories de Woody Allen. Comment naît le désir d’un créateur, quels sont les mécanismes qui vont l’inciter à produire une nouvelle œuvre, à partir de quelle confusion ? 

Ce désir est au cœur même de  Dolor y Gloria. Désir par lequel tout commence, clé majeure de l’orientation de notre regard, de nos sens et par lesquels nous accomplissons le scénario de notre vie. C’est dans la quête du désir originel (à la fois charnel et créatif pour l’artiste) qu’est construit le film dont la trame pourrait s’apparenter à celle d’une intrigue policière. Salvador Mallo, en manque d’inspiration et qui trouve refuge dans les psychotropes, a connu son heure de gloire en réalisant des films montrés partout à travers le monde. Il ne produit désormais plus rien, se laissant aller à la paresse, aux drogues, au néant. Des flashes de son enfance lui reviennent en mémoire et il va tenter de refaire le chemin sans savoir que se trouve niché quelque part la clé qui lui permettra de retrouver son inspiration. 

A quel moment s’est produite la naissance du premier désir, quel en a été l’objet, qui et comment en retrouver la trace ? Le premier plan du film illustre parfaitement ce à quoi nous allons assister et qui ne manque pas d’humour : Mallo, en état de flottement dans une piscine (au sens propre comme au figuré) se prépare à sa propre immersion. Puis premier flashback et retour aux sources, à l’enfance et à la figure de la mère, incarnée par Penelope Cruz. Toute la suite sera un aller et retour entre hier et aujourd’hui, comme un ballottement entre désir de comprendre et désir de retrouver ce qui a été perdu, au travers d'images qui vont prendre une part capitale s’agissant ici du personnage d’un cinéaste.

Revenant sur les traces de l’enfance c’est aussi de mélancolie dont le film est empreint, comme dans ces autobiographies qu’on livre à l’automne de la vie lorsque nous acceptons de porter un regard tendre sur nos jeunes années, délivrés de passions destructrices et ayant fait la paix avec nous-mêmes, avec nos démons, nos égarements. Antonio Banderas est exceptionnel et d’une déchirante humanité (je parierai bien sur une Palme d’Interprétation) comme tous les autres acteurs, excellents, Asier Etxeanda et Leonardo Sbaraglia en tête. Un Almodovar lumineux au goût des Fraises sauvages d’Ingmar Bergman.

Sélection Officielle Cannes 2019 : "Sorry we missed you" de Ken Loach

Ken Loach est sans conteste l’un des plus grands cinéastes du monde. On peut désapprouver ses opinions politiques, la justesse des faits qu’il décrit dans Sorry we missed you  et son regard sur le capitalisme à outrance n’en sont pas moins chargés d’une analyse pertinente concernant les effets destructeurs de tout un système sur les classes modestes. Le constat ici est même plus alarmant encore que dans les précédents films. Prenant pour exemple une famille de Newcastle réduite à l’état d’esclave par l’économie de marché, Loach dans la première partie du film, analyse d’abord les raisons du mal être social : pénibilité du travail, despotisme de l’employeur soumis lui-même au rendement, incitation à s’endetter dans l’espoir d’un meilleur lendemain, pénalisations financières et autres offensives d’un système qui finit par écraser la cellule familiale déjà en état de précarité. La mère accumule les tâches tout en étant limitée par l’absence d’un moyen de transport dont elle ne peut bénéficier, le père croule sous les heures de travail à force des pressions d’un patron soumis aux diktats d’Amazon et leur fils, adolescent en révolte peu doué pour les études, se résout à lutter contre un modèle sociétal qu’il perçoit comme sans avenir. Seule la fillette du couple s’accroche comme éperdue à des restes d’enfance, tentant de rassembler les derniers liens d’une famille au bord de l’implosion.

La force des scènes décrites par Loach et son scénariste Paul Laverty atteint de plein fouet le spectateur le plus aguerri. Si la crise économique des années 1930 aux Etats-Unis avait donné pour film emblématique Les raisins de la colère  de John Ford, ils se pourrait bien que Sorry we missed you incarne à lui seul le ravage occasionné à la fois par le projet néolibéral de l’Union européenne et par celui, non moins dangereux du Brexit dans les milieux ouvriers de l’Angleterre des années 2010.

C’est d’abord l’empathie qui domine les personnages de premier plan chez Ken Loach. Conscients de leurs limites et de leurs excès, la violence n’est jamais une fin en soi. Forts en actions et en initiatives, soudés par des valeurs familiales puissantes, c’est la raison qui prime avant tout. Plutôt que de se livrer au chaos on multiplie les tentatives de rapprochement, de dialogue, de communication et l’injustice démontrée n’en est que plus percutante, prenant véritable valeur de dénonciation. 

C’est pour cela que le film touche, observant au plus près et avec une rare authenticité les agissements des uns et des autres au cœur du tissu social. Qui plus est il nous laisse le libre arbitre. Chacun reconnaîtra dans un final pour le moins bouleversant le choix qui lui est propre de vivre ou de mourir lorsqu’on a tout tenté et que la responsabilité individuelle se présente à nous.

Séances Spéciales Cannes 2019 : Être vivant et le savoir d'Alain Cavalier

 Un film comme un collage, un film de famille, un film de souvenirs. Un homme et une caméra, l'un et l'autre faisant corps pour un grand film « d'amateur » dans ce qu'il y a de plus pur et qui nous rappelle les paroles de Jean Cocteau filmant en 16 mm la Villa Santo Sospir : « Étant un professionnel j'ai voulu faire un film d'amateur sans m'encombrer d'aucune règle ». Alain Cavalier qui lui aussi est un poète nous ouvre des fragments de son journal à une date précise de sa vie : celle où il doit tourner un film avec sa meilleure amie la romancière Emmanuelle Bernheim (disparue en 2017 et qui fut notamment scénariste de François Ozon) tournage qui s'interrompt lorsque celle-ci apprend qu'elle est atteinte d'un cancer du sein. 

Regarder Être vivant et le savoir c'est entrer dans l'intimité d'un homme qui écrit et filme des morceaux de vie, entre deux portes, deux pages, deux objets. Avec une tendresse inouïe l'auteur de Thérèse va accompagner son amie durant le traitement de sa maladie jusqu'au départ d'Emmanuelle, décidé par elle-même. Le film est bouleversant parce que l'empathie du cinéaste accompagne chaque plan du film, fait de murmures, de vie végétale, de présences d'oiseaux, de chats, habitants les lieux intimes et mystérieux filmés par Alain Cavalier lui-même. La beauté du film émane de sa délicatesse, de sa simplicité, de son épure. La petite caméra qui est un véritable personnage accompagne avec douceur l'oeil du cinéaste qui aime filmer les mots, les photos, les fruits, les natures mortes. Dans son « atelier de peinture », si j'ose dire, l'oeil observe avec une acuité remarquable les petites choses de la vie, si familières et si aimées qu'elles en deviennent immenses.

Voir Rester vivant et le savoir c'est partager ces moments faits de silences où la notion du temps retrouve son essence et où durant 80 mn de projection nous sommes touchés par la grâce. Ce magnifique poème d'amour pour la vie et peut-être son ailleurs nous a au Festival de Cannes traversés.